Departamento de Arte Universidad Iberoamericana
El día 25 de agosto de 2021 se presentará en el Museo Nacional de la Estampa del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura el libro “Imágenes en colectivo Grupo Suma (1976-1982)” de la Dra. Ana María Torres Arroyo.
El evento será transmitido vía Facebook Live en la cuenta del Munae a las 19:00 h
Se contará con la participación de la Dra. Ana María Torres Arroyo, la Mtra. Cecilia Noriega, la Mtra. Pilar García y el artista René Freire..
Historia del arte y cultura visual, Estudios visuales, Reflexiones epistemológicas
8 de septiembre
18:00 a 18:20 h Tras las huellas urbanas: una alternativa metodológica para estudios de exilio.
Laura Karp Lugo, Université de Lorraine (Nancy); Ludwig-Maximilians-Universität
(Munich), Deutsches Forum für Kunstgeschichte (Paris)
18:25 a 18:45 h Cine y análisis cultural
Itala Schmelz, gestora independiente
18:50 a 19:10 h Historia del arte. Reflexiones historiográficas sobre una disciplina actual.
Sara Gabriela Baz y Valeria Sánchez Michel
19:10 a 19:30 h Diálogo
Laura Karp Lugo
A través de casos de estudio centrados en Buenos Aires a mediados del siglo 20, esta presentación propone un enfoque metodológico para llenar los vacíos dejados por las fuentes incompletas o ausentes en el estudio de artistas exiliados. A partir de direcciones, mapas y lugares, es posible seguir el rastro de los artistas en el espacio urbano: los encuentros, los lugares que frecuentaban, los barrios que les eran familiares y que marcaron su vida cotidiana tanto como su producción.
Itala Schmelz
En esta ocasión me interesa reflexionar en torno al abordaje del cine como medio de análisis cultural. Hablaré de mi libro: Codigofagia. Cine mexicano y ciencia ficción, y del marco teórico que generé para entender la particularidad de la producción de cine de este género en nuestro país. A partir de la teoría de Bolívar Echeverría sobre la modernidad latinoamericana como el caldo de cultivo de un ethos particular definido por el filósofo como ethos barroco, analizo el fenómeno que él denomina como codigofagia (mestizaje) en tanto proceso cultural de apropiación de los discursos dominantes para generar narrativas propias. Esto implica una forma de resistencia social, en tanto que a través de la inoculación de los imaginarios nacionales, particularmente los indigenistas, en las tramas que han hecho de la ciencia ficción la mitología de la sociedad moderna, es posible analizar nuestra particular relación con el progreso tecnológico y sobretodo, reclamar el derecho a imaginar un futuro que nos incluya.
Historia del arte y cultura visual, Estudios visuales, Reflexiones epistemológicas
8 de septiembre
16:00 a 16:20 h Ante la ansiedad de globalidad, ¿cómo articular una historia del arte contemporáneo para Asia del Este?
Edisabel Marrero Tejeda
16:25 a 16:45 h El arte contemporáneo africano: la construcción de una taxonomía occidental.
Militsa Soto Rastovic
16:50 a 17:10 h Historia(s) del arte como historias globales: rupturas y continuidades de la categoría “universal”.
José Alberto Moreno Chávez
17:10 a 17:40 h Diálogo
Edisabel Marrero Tejeda
Un nodo fundamental de discusión en la narración historiográfica del arte en Asia lo constituye el concepto mismo de (las) Asia/s como parte del constructo geopolítico de la matriz colonial y hegemónica occidental, que devino en una conceptualización geoestética oprimida bajo la proposición académica del arte, su conceptualización disciplinar y sus métodos de interpretación histórica. La constante revisión y cuestionamiento de esta formación, sobre todo por aquellos teóricos y curadores regionales que apuestan por epistemologías alejadas de una sensibilidad eurocentrada, denota una tensión entre los diferentes marcos expositivos e interpretativos que tienen lugar dentro y fuera del área geográfica. La presente ponencia tiene como fin abordar la condición de globalidad y su relación dialógica con conceptos como arte mundial, lo nacional o lo contemporáneo en Asia del Este, en contraposición con los estudios críticos del área. Esta proposición teórico-contextual tendrá como fin enmarcar los discursos sobre la historia del arte en la región, para entender así ciertos aspectos que informan el desarrollo del arte contemporáneo asiático. Para ello se recurrirá a discusiones fundamentales sobre la problemática de la noción de la Historia del Arte Global y sus implicaciones en aquellas zonas que se encuentran del otro lado de la “línea abismal” del canon artístico occidental.
Militsa Soto Rastovic
¿Qué define al arte “africano”? ¿Qué lo hace “contemporáneo”? En esta ponencia se hará un esbozo introductorio de los límites y las tensiones de la historia del arte cuando se refiere a aproximaciones de la producción artística africana. Para ello se abordará el caso concreto del arte contemporáneo africano como una taxonomía planteada desde Occidente. Esto permitirá dar cuenta de las problemáticas que se enlistan a continuación: 1) la identificación de circuitos occidentales —entendidos como subastas de arte, crítica especializada, producción curatorial y academia— como espacios que dan continuidad a los mecanismos de otredad a los que están sujetos los artistas africanos, en conjunto con su diáspora; y 2) la definición de los límites de este campo de estudio, la historia del arte, en tanto que la imposición de lecturas e interpretaciones de obras de la región suele partir de una óptica centrada en la mímesis o la transculturación. El objetivo principal de este ejercicio consiste en llevar a cabo una invitación a replantear la noción del arte occidental como universal y, por extensión, evidenciar las fronteras y límites, de manera más puntual, de las disciplinas que lo estudian. Adicionalmente, tal crítica expondrá la necesidad de impulsar ejercicios reflexivos que, al cuestionar la historia del arte —¿cuál y de quién?—, enfaticen la urgencia de llevar a cabo revisiones a este campo de estudio, así como a otros ámbitos centrados en la imagen, fuera de los marcos de referencia que no consideran las asimetrías de poder vigentes en sus fundamentos.
José Alberto Moreno Chávez
La irrupción de la historia global como una categoría historiográfica desde finales del siglo xx se ha propuesto reconfigurar distintos tipos de historia desde el espacio de “lo global”, entendiéndolo como una categoría de la emergencia de varios fenómenos sociales y culturales a partir de su comparación entre distintos “centros” y elaborando una crítica a las historiografías nacionalistas y al universalismo eurocentrista. Así, la historia global busca reunir las propuestas de análisis poscoloniales y decoloniales para hacer una crítica de la modernidad como un fenómeno estrictamente europeo y plantearlo como una explosión meta-geográfica y compleja de emergencias y relaciones locales con vínculos interconectados en redes alrededor del globo. A partir de lo anterior, la ponencia presenta una crítica de las maneras en las que se ha representado la historia global desde las artes, formando una “nueva historia del arte global”, recreando un universalismo lejano al eurocentrismo. El problema se aborda a partir de un análisis de las exposiciones permanentes de tres museos: el Museo de Quai Branly (París), el Museo de las Civilizaciones Asiáticas (Singapur) y el Museo del Louvre (Abu Dhabi), buscando narrativas desde la historia global sobre los fenómenos artísticos y culturales y presentándolos en oposición al concepto “universal” que ha sido la constante en los museos del mundo occidental.
Historia del arte y cultura visual, Estudios visuales, Reflexiones epistemológicas
8 de septiembre
12:00 a 12:20 h
El objeto como signo. Uso y aplicación de la materia común como elemento significativo en las artes visuales.
Víctor Manuel Jiménez Verduzco
12:25 a12:45 h Polinización de los campos, la investigación-creación en el arte digital.
Ana Carolina Robles Salvador
12:50 a 13:10 h Multidisciplina y comunidad: experiencias en la generación de conocimientos en el Museo Nacional de Arte.
Jimena Arellano Rivas
13:15 a 13:35 h Ready-Image: nuevas condiciones de la historia y la crítica del arte.
Daniel Montero Fayad
13:35 a 14:00 h Diálogo
Víctor Manuel Jiménez Verduzco
La fuerza simbólica que despliegan los objetos comunes en el arte se ha manifestado de diversas maneras a lo largo de la historia, a veces de forma soslayada, otras con mayor protagonismo. En este trabajo se intenta estudiar esta relación, la potencia de esta presencia y las figuras intelectivas que connota, a partir de algunos ejemplos artísticos significativos en diferentes momentos históricos y latitudes.
Ana Carolina Robles Salvador
Esta colaboración se propone reflexionar sobre los límites del arte, tanto en sus formas de producción como en su práctica interdisciplinaria que, en su devenir, difumina las fronteras disciplinares. Se parte de dos premisas: los límites de las disciplinas artísticas son poco transparentes, lo cual dificulta la visibilidad de sus aportes en la generación de conocimiento. La tesis que sostiene este trabajo es que la investigación-creación es una vía para visibilizar el carácter interdisciplinario de las artes y su aportación al conocimiento. Para propiciar el análisis se recurre a tres autores: Bourdieu, quien contribuye a repensar el campo artístico; Lotman, cuyo concepto de frontera ayuda a pensar los límites disciplinares; y Foucault, quien a partir del concepto de episteme da pie para pensar en los aportes de las artes en su dimensión de época. Desde este horizonte se revisan los posibles alcances de la investigación-creación del arte digital en la producción de conocimiento al abrigo de la universidad.
Jimena Arellano Rivas
En función de las preguntas ¿cómo producimos y hemos producido conocimiento desde la historia del arte?, y ¿a qué contribuye nuestro quehacer? —como investigadores—, planteadas por el “Simposio Límites y fronteras de los Estudios del Arte”, esta intervención es resultado de las reflexiones generadas durante los conversatorios entre voluntarios del Departamento de Curaduría del Museo Nacional de Arte (munal) transmitidos a lo largo del mes de junio de 2021. Se plantea la pregunta ¿cómo investigamos cada uno de nosotros desde nuestros enfoques profesionales?, para comprender la importancia de la multidisciplina en la interpretación de colecciones y la generación de conocimientos en torno al museo, en tanto que éste se convierte en un espacio de convergencia de saberes y generación de comunidades creativas que permite evidenciar otras formas de mirar, trabajar e investigar desde un enfoque colaborativo y horizontal que puede nutrir a los procesos de la historiografía del arte desde otros campos disciplinares, aunando a las relaciones profesionales e interpersonales en el ámbito museístico.
Daniel Montero Fayad
Hay en la actualidad tres fenómenos que condicionan tanto la ontología como la percepción del arte: los dispositivos tecnológicos móviles que han hecho posible la captura, edición y consumo de imágenes en un brevísimo lapso; la circulación global de esas imágenes —muchas veces en tiempo real—, algo que se exacerbó en la pandemia que inició en 2019; y la cada vez más indispensable imagen —casi siempre— fotográfica para producir arte, algo que podríamos considerar como una suerte de “nueva naturaleza” y que funciona como un referente —que muchas veces parte del archivo indeterminado de las imágenes en la red— ineludible para una gran cantidad de artistas contemporáneos.
Si bien cada una de estas variables tienen sus propias condiciones históricas y sus genealogías, tanto las imágenes como los dispositivos contemporáneos no sólo han replanteado la ontología y las epistemologías del arte, sino que más bien producen una nueva sensibilidad. Nuestra propia ontología no es comprensible sin considerar la relación entre la condición contemporánea de las imágenes y de los dispositivos, que llevan necesariamente a estudiar una nueva sensibilidad difícil de describir por su actualidad. Todo ello lleva a repensar los relatos del arte, tanto los críticos como los históricos, porque las formas del lenguaje también se ven alteradas. En esta ponencia se señalan algunas de las condiciones contemporáneas de esa nueva sensibilidad en función de las condiciones actuales de la imagen y de los dispositivos, para pensar en nuevos relatos del arte en el presente.
Historia del arte y cultura visual, Estudios visuales, Reflexiones epistemológicas
8 de septiembre
10:00 a 10:15 h Inauguración. Dra. Sara Baz Sánchez, Dra. Valeria Sánchez Michel, Coordinadoras del Simposio, Dr. Alberto Soto Cortés, Director del Departamento de Arte de la Universidad Iberoamericana Ciudad de México.
10:15 a 10:35 Historias del arte hoy desde México: la disciplina desde las pluralidades.
Deborah Dorotinsky Alperstein, Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM
10:40 a 11:00 h Historiando arte/factos: Reflexiones sobre el arte mexicano como objeto e historia.
John Lear, University of Puget Sound
11:00 a 11:30 h Diálogo
Deborah Dorotinsky Alperstein
En 2014 el Art Bulletin en su número 14 con el poético título “Whither Art History?” (¿A dónde va la historia del arte?) publicó las reflexiones de varios historiadores del arte sobre los cambios, las nuevas crisis y los retos que la disciplina Historia-del-Arte enfrentaba. Griselda Pollock y Claudia Mattos proporcionaron dos reflexiones que vale la pena retomar hoy para señalar las diferencias imperantes en las condiciones de posibilidad de nuestra disciplina, en nuestra muy peculiar circunstancia socio-geo-política y la de nuestro vecino del norte. La historia del arte en México se abre en un abanico de temas y problemas poco pensables para ella en Europa y los Estados Unidos, y representa, como las historias del arte de otros países — Argentina, Perú y Brasil — un ejemplo de un campo expansivo. A falta de presupuestos, no hemos carecido de ingenio. Nuestras licenciaturas y posgrados se amplían hacia los estudios de técnicas y materiales en las artes, los estudios intermediales en los cruces entre artes escénicas, arquitectura, música, literatura y artes plásticas, el video y el cine, las culturas visuales, los archivos y las imágenes documentales, las intervenciones feministas en las historias del arte y las disidencias sexuales y un conjunto de temáticas que si bien son relevantes al arte contemporáneo, como temáticas desde una postura decolonial, permiten pensar el pasado, el prehispánico, el colonial y el moderno, desde hoy. ¿En qué medida desde el sur, vemos pasar esas “crisis” y nuestra disciplina se amolda, se adapta, sobrevive y se transforma?
John Lear
Presentaré unas reflexiones sobre las preguntas y métodos que me guían como historiador social y cultural al reflexionar sobre el arte, más precisamente, el hilo conductor será la pregunta de cómo trato de usar el arte para entender el pasado, como un “artefacto,” o sea como una puerta que nos da entrada a un momento específico en el pasado, y como una versión del pasado, que participa en debates historiográficos tanto en el momento de su producción como ahora. Reconociendo lo mucho que he aprendido de los historiadores de arte, daré algunos ejemplos tomados tanto de obras de historiadores que me han inspirado a pensar el arte desde la historia, como de mi libro reciente “Imaginar el Proletariado. Artistas y trabajadores en el México revolucionario, 1908-1940,” y de mi nuevo proyecto, una biografía política de Diego Rivera.
Cambio de paradigma temporal en torno a la producción, gestión y consumo del arte.
Pandemia y vehículos digitales.
7 de septiembre
Moderadora: Dra. Minerva D. Anguiano González
Melodía imaginaria con anhelo de encuentro
Mónica Ornelas
Micro-danzas: ecokinesis planetaria
Ángel F. Méndez Montoya
La construcción escénico-digital en las obras “Otra Electra” de Edith Ibarra y “Las diosas subterráneas” de la compañía Organización Secreta Teatro.
Rocío Carrillo
16:45 a 17:00 h Preguntas y comentarios del público
17:45 a 18:00 h Actividad de clausura del simposio. A cargo de integrantes de la línea de investigación “Estética, cultura visual e imaginarios en América Latina y el Caribe”, de los programas de Maestría en Estudios de Arte y Doctorado en Historia y Teoría Crítica del Arte: Sindy Martínez Lemes, Joan Fellove Marín, Blanca Victoria López Rodríguez, Yalicel Gabeira Londres, Greyser Coto Sardina.
Mónica Ornelas
La presente propuesta radica en exponer la experiencia de creación del proyecto “Melodías de onírico trayecto”, pieza colaborativa de arte sonoro realizada desde el espacio autogestivo de creación-investigación-pedagogía Laboratoria Performativa —originada y coordinada por la autora—, y particularmente del programa “Corazonar desde la incertidumbre”, cuya raíz fue la pandemia. Lanzado desde el anhelo de propiciar un encuentro afectivo para dar tratamiento-sublimación al miedo y a la incertidumbre que ha impuesto el virus SARS-CoV-2, este programa tiene una intención por demás sencilla: generar un punto de intercambio afectivo para promover la vitalidad y serenar emocionalmente el impacto del fenómeno pandémico, mediante la formulación de estrategias estético-artísticas que, a través de actividades colectivas, propicien el sumarse a la solidaria vitalidad demandada por el tiempo actual. Irremediablemente replegadxs al ámbito doméstico dada la cancelación de “el afuera”, revisar “los adentros” irrumpió no sólo como una práctica obligada, sino como una bondad disponible. Para la elaboración de este acompañamiento y la configuración de la pieza se partió de los sonidos del entorno más inmediato: el corporal y el doméstico; cómo suena esa región que de tan ordinaria nos ha sido inadvertida; cómo sonamos a través de esta morada primordial que es nuestro cuerpo. Con la consigna de afinar la escucha para luego darle un tratamiento imaginario se sostuvieron reuniones semanales virtuales de julio-noviembre del 2020. La propuesta consiste en compartir algunos fragmentos sonoros logrados y ciertas reflexiones desprendidas de la experiencia, extender el contagio del efecto cálido vivido para contribuir al cuidado solidario.“Melodías de onírico trayecto” está disponible en SoundCloud: https://soundcloud.com/user-792804252/melodias-de-onirico-trayecto-arte-sonoro
Ángel F. Méndez Montoya
En esta presentación comparto algunos resultados de un experimento corporal y cinestético creado en espacios naturales y en contacto con elementos de la Tierra, entretejiendo corporeidad, videodanza y teología filosófica. El experimento se realizó como parte de una investigación sabática que coincidió con el confinamiento social debido a la pandemia de la COVID-19 —desde principios del año 2020, hasta julio del 2021—. Frente al problema del contacto físico entre los cuerpos, en colaboración con el Dr. Pablo Martínez, encargado de la dirección de cámara y la edición audiovisual, nos dimos a la tarea de explorar impulsos corpóreos y dancísticos que pudieran suscitar diversas sensaciones, ideas, experiencias de relación somática y kinética con elementos naturales y en ambientes apartados de espacios de interacción social, con el fin de crear pequeños fragmentos fílmico-coreográficos o “micro-danzas”.
Con la filósofa, teóloga y coreógrafa Kimerer LaMothe, sugerimos la noción de “ecokinesis” para referirnos no sólo a un planeta que “danza” —en virtud de la continua kinesis planetaria— sino también para dejarnos mover y conmover por la vida planetaria que de múltiples maneras y resonancias “danza en” nosotros. El objetivo es sobreponer la dicotomía entre “cultura” y “naturaleza” que ha creado un distanciamiento con respecto a la vida planetaria, desembocando en la irreversible crisis ecológica que enfrentamos debido al dominio de paradigmas patriarcales, antropocéntricos y coloniales, y que siniestramente vuelven cotidiano el desgaste, la precarización y la contaminación a niveles locales y globales, humanos y ecológicos. La creatividad de la cámara de video y la edición audiovisual forman parte de una sensibilidad ecokinética que esta exploración propone lograr para permitir que ambientes, contextos, aspectos y elementos de la naturaleza cobren un protagonismo coreográfico. No sólo buscamos investigar sobre la danza y las corporeidades de la vida cotidiana, sino desde las (teo)poéticas de cuerpos y corporeidades planetarias.
Rocío Carrillo
La ponencia abordará, en primer lugar, el proceso de trasladar al medio digital dos proyectos concebidos originalmente para la escena, así como la trascendencia de esto en el proceso creativo y en la poética de la compañía. En segundo lugar, desarrollará la resignificación de contenidos míticos en las dos obras y su vigencia en relación con la problemática actual de las mujeres en México. El propósito es deconstruir la creación del discurso escénico híbrido en las obras Otra Electra de la dramaturga Edith Ibarra, presentada durante 25 funciones en vivo a través de la plataforma Zoom de Teatro La Capilla y Las diosas subterráneas, versión digital transmitida por las plataformas de Teatro unam en 2020 y 2021. Las diosas subterráneasaborda el tema de las mujeres desaparecidas por la trata de personas, a partir del mito de Deméter y el rapto de su hija Perséfone. Otra Electra hace una revisión simbólica del mito clásico de Electra, recontextualizándolo en la época actual. Los temas a desarrollar son: a) los pormenores de las soluciones asumidas desde la dirección; b) el enfrentamiento de los actores y las actrices al hecho de trasladar el discurso escénico a un medio de expresión digital; c) la colaboración interdisciplinaria con creadores de cine y de videoarte y su influencia en la hibridación del discurso; d) la recepción y el impacto en el público que presenció las obras; e) las repercusiones artísticas y simbólicas que puedan desprenderse de dicha hibridación; y f) paralelismos del mito y la situación actual. Durante la exposición se transmitirán fragmentos de las dos obras.
Cambio de paradigma temporal en torno a la producción, gestión y consumo del arte.
Pandemia y vehículos digitales.
7 de septiembre
Moderadora: Dra. Yolanda Wood Pujols
Innovación educativa en la educación artística: el caso del Colegio de Bachilleres.
Balfer Alberto Navarrete Pérez
Los retos de la cultura inalámbrica.
Philippe Merlo y Marion Le Corre-Carrasco, Université Lumière-Lyon 2
15:30 a 15:45 h Preguntas y comentarios del público
15:45 a 16:30 h Siempre fuimos todólogxs.
Intervención especial de Nirvana Paz, artista visual, Universidad Veracruzana, Colegio de Saberes.
16:30 a 16:45 h Comentarios y preguntas del público
Balfer Alberto Navarrete Pérez
Con el confinamiento provocado por la COVID 19, el universo artístico se vio obligado a virtualizar muchas de sus áreas, desde la educativa y formativa hasta la creativa y productiva. De este modo, las y los estudiantes y docentes dedicados a dichos asuntos se vieron obligados a reinventar su relación con el arte y sus objetos, ahora desde su potencia digital. En este sentido, la presente ponencia reflexiona sobre una actividad institucional llevada a cabo en el Colegio de Bachilleres y materializada a través de sus 20 planteles, que propició un fenómeno que se puede tildar de innovación educativa. La actividad llevó por título Lobas y lobos grises frente a COVID 19 y tuvo como objetivo accionar la continuidad de la educación artística, ahora en entornos virtuales. Lobas y lobos grises motivó a través de una serie de estrategias didácticas digitales con perspectiva curricular, la participación de las y los estudiantes inscritos en los talleres artísticos que oferta el colegio (música, danza, teatro, artes plásticas y cine) promoviendo su resiliencia al volverse agentes creativos en un contexto de tanta incertidumbre como lo es el actual, dando como resultado un mosaico de producción cultural artístico-digital que conviene analizar como una buena práctica de la migración que sufrió la educación artística desde su quehacer empírico hacia su extensión virtual o digital.
Philippe Merlo y Marion Le Corre-Carrasco, Université Lumière-Lyon 2
A partir de nuestras últimas experimentaciones, proponemos presentar cómo mantenemos dinámica e interactiva la difusión del arte hispánico, tanto desde la universidad como desde instituciones culturales (Villa Hispánica e Instituto Cervantes). El confinamiento no terminó con nuestras misiones y conservamos el contacto con nuestros públicos.
Adaptándonos a la evolución de las restricciones, montamos proyectos que respetan las cambiantes normas sanitarias en uso. La videoconferencia ha sido el instrumento más fácil y rápido, pero también se organizan otras modalidades (seminario híbrido, visitas de colecciones, invitación de artistas) para que queden activas y dinámicas no sólo la difusión de la cultura en sí, sino también nuestras redes docentes y de investigación. A pesar de las muchas frustraciones generadas por la distancia impuesta, encontramos en este cambio de paradigma temporal nuevas vías de difusión que pretendemos seguir explotando y mejorando. Philippe Merlo expondrá la densa actualidad cultural de la Villa Hispánica, las adaptaciones que se han puesto en marcha para, primero, renovar proyectos que se habían ideado antes del confinamiento; luego, concebir actividades variadas (conferencias, charlas, exposiciones, conciertos, por ejemplo) modeladas por las nuevas normas sanitarias. Marion Le Corre-Carrasco compartirá las estrategias pedagógicas organizadas en la Université Lumière-Lyon 2, así como en la presentación de un proyecto polifacético llevado a cabo con el Instituto Cervantes (Lyon y Madrid) que incluye también al Museo Greco de Toledo.
Nirvana Paz
A través de actividades expositivas, publicaciones y trabajos colaborativos, esta artista visual, docente y participante de colectivas en diversas instituciones se vio involucrada gracias a la contingencia sanitaria, como muchos artistas; actividades, proyectos e iniciativas surgidas y marcadas por este contexto.
En este sentido se abordará, a partir de la experiencia en dichas participaciones, cómo el sortear las condiciones económicas, sociales y sanitarias no es ajeno para la mayoría de los artistas en México, aunque sin duda el contexto actual lo exacerba; y también vino a recordarnos que la actividad artística exige abordar y solucionar desde diversos ámbitos la creación, producción y difusión de la obra. Esto, involucrándonos e incluso apropiándonos de otros ámbitos de la visibilización y comercialización, convirtiéndose en parte intrínseca de los procesos creativos.
Cambio de paradigma temporal en torno a la producción, gestión y consumo del arte.
Pandemia y vehículos digitales.
7 de septiembre
Moderadora: Mtra. Yalicel Gabeira Londres
Quarantine Project. Wildness For Others Orders • Locuras para otros órdenes.
Yohanna M. Roa
Ensayo gráfico de lo Camp & Queer: de la impresión en papel a la exhibición virtual.
Marisol Rojas Oliveros
Behart: una alternativa virtual de promoción del arte cubano en tiempos de confinamiento.
Flavia de la Caridad Valladares Más
Las redes sociales como participantes dentro de las dinámicas de legitimación artística. Una revisión del papel de la cultura digital dentro del ecosistema creativo post-pandemia.
A. Tamara Gayol Massimi
12:15 a 12:30 h Sonar al unísono desde la distancia.
Intervención especial de Tania Candiani, artista visual.
13:00 a 13:20 h Preguntas y comentarios del público
Yohanna M. Roa
Quarantine Project fue una curaduría realizada en la ciudad de Nueva York a finales de 2020. En la exposición participaron 18 artistas provenientes de Estados Unidos, España, Suecia, India, Japón, Francia y Colombia. Se trató de una reflexión en torno a las implicaciones cotidianas de la llegada de la pandemia, pues el confinamiento y el aislamiento social se convirtieron en formas de vida y producción. La casa, el apartamento, la cocina, la habitación o el armario se volvieron lugares de trabajo, de permanente contemplación y producción de conocimiento. Vivimos en constante negociación con el espacio que habitamos, con sus objetos, con la comida, con nuestro cuerpo y nuestra mente. En este “nuevo mundo” indeterminado los artistas transformaron la rutina en actos creativos. Se trató de una muestra de carácter documental, en la que de manera virtual se expusieron los registros de intervenciones efímeras o permanentes en los espacios privados y personales de los artistas. Las obras operaron como reacciones o registros que daban cuenta de las alteraciones cotidianas debido a la cuarentena, lo que presionó a los artistas a interactuar con el espacio personal de forma político-poética.
Marisol Rojas Oliveros
Las restricciones derivadas de la pandemia modificaron la forma de difundir el arte contemporáneo. Ensayo gráfico de lo Camp & Queer es una serie gráfica de Marisol Rojas pensada para exhibirse en la galería Luis Nishizawa de la Facultad de Artes y Diseño de la unam que, sin embargo, debido a las condiciones del confinamiento fue exhibida en el formato de galería virtual en abril y mayo del 2021. El equipo de difusión cultural, diseñadores y programadores trabajaron en conjunto con la artista para realizar esta nueva modalidad de exposición, que incluyó curaduría, museografía, inauguración y visita guiada, esta última transmitida por Facebook Live. Como resultado, la exposición fue visitada por un gran número de personas que pudieron comentar, interactuar y externar opiniones en la transmisión en vivo o en diferido. Esta ponencia tiene como objetivo estudiar este caso y plantear posibles estrategias de difusión y exhibición del arte en un futuro próximo.
Flavia de la Caridad Valladares Más
Las restricciones impuestas durante el confinamiento y los rebrotes de la COVID-19 en Cuba han traído como consecuencia, al igual que en el resto del mundo, «la migración» de las prácticas culturales hacia los sitios digitales y redes sociales. En sintonía con el contexto internacional, las alternativas de promoción del arte en la red – proyectos independientes, institucionales y proyectos colaborativos- han tenido un impacto en el desenvolvimiento de la cultura artística nacional, toda vez que han sorteado los contratiempos que suponen las condiciones de informatización y digitalización de la sociedad cubana. Aunque no asistimos a un fenómeno sin precedentes, pues las plataformas virtuales han tenido un lugar en la promoción cultural, resulta evidente el énfasis, la sistematicidad y el desarrollo de proyectos artísticos virtuales. En este sentido, la presente ponencia propone un acercamiento a una de las iniciativas/alternativas de promoción de las artes visuales cubanas que mayor trascendencia ha tenido en la escena cultural en el contexto en cuestión: Behart.Concebida por sus fundadores como una red colaborativa de promoción y comercialización de la producción artística nacional, ha creado una plataforma multimedial que cuenta con perfiles de artistas, exhibiciones virtuales, sección de textos críticos y se apropia de recursos de las redes sociales para facilitar la comunicación entre los diversos agentes que componen el campo artístico. De esta manera, Behart ha propiciado la génesis de una trama colaborativa que ha implicado a artistas, curadores, críticos, coleccionistas, así como a iniciativas independientes e instituciones culturales estatales. Caracterizar el contexto cubano de la promoción cultural y valorar algunas de los aportes del proyecto en cuestión se trazan como objetivos medulares de esta propuesta.
A. Tamara Gayol Massimi
A partir de que la UNESCO declara en su “Guía de políticas para un sector creativo resiliente” que la cultura está en crisis de acuerdo con criterios que se basan en pérdidas económicas (UNESCO, 2020) surge la necesidad de analizar si la crisis aludida, más que cultural, es administrativa, pues a partir de la pandemia la oferta cultural aceleró la transformación de sus dinámicas de consumo digital. Para demostrar esto se recuperan las ideas de desarrollo horizontal planteadas en los años 70, que han sido repensadas a la luz de la era digital para explicar las dinámicas surgidas frente a la mudanza casi obligatoria a lo virtual, inminente en el 2020. El objetivo es cuestionar si existe una crisis cultural o si, más bien, la crisis es económica, sistémica. La cultura y su consumo, se han sabido adaptar haciendo uso de un lenguaje globalizante que se encuentra en constante construcción y surge a partir de la visualidad. Al aprovechar este lenguaje globalizante es posible reinterpretar las relaciones comerciales en el mundo del arte, considerando a las redes sociales como una plataforma horizontal de comunicación y culturalización que da la libertad al creador para dejar de lado a cualquier intermediario. La línea que divide al creador del espectador se difumina, habilitando una crítica al concepto emirec de Cloutier, y permitiendo la propuesta de un concepto específico para la actividad artística: el espectacreador.
Tania Candiani
En esta intervención se presentará un grupo de piezas audiovisuales producidas desde el principio de la pandemia y se expondrán algunas reflexiones sobre las maneras de entender la cercanía, desde la distancia.
