Presentación de libros del Departamento de Arte en la Feria cultural del libro Ibero- ITESO, 2021

Imágenes en colectivo: Grupo Suma (1976-1982)Dra. Ana Torres
Dra. Mya Dosch
Mtra. Cecilia Noriega
Martes 7 de septiembre13:30
Subjetividad y representación de las nuevas generaciones en México: delante y detrás del espejoOlga María Rodríguez Bolufé
Maricela Portillo Sánchez
Yolanda Wood Pujols
María Luisa Durán y Casahonda Torack
Jueves 9 de septiembre15:00

Descarga el programa aquí:

Con motivo de la presentación en la Feria (del lunes y hasta el viernes 10 de septiembre a las 10:00 hrs.), los libros contarán con undescuento especial del 30% adquiriéndolo a través de nuestra librería virtual:  https://enlinea.uia.mx/libreriaVirtual/index.cfm

Presentación virtual del libro “Imágenes en colectivo Grupo Suma (1976-1982)”- MUNAE, INBA

El día 25 de agosto de 2021 se presentará en el Museo Nacional de la Estampa del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura el libro “Imágenes en colectivo Grupo Suma (1976-1982)” de la Dra. Ana María Torres Arroyo.

El evento será transmitido vía Facebook Live en la cuenta del Munae a las 19:00 h

Se contará con la participación de la Dra. Ana María Torres Arroyo, la Mtra. Cecilia Noriega, la Mtra. Pilar García y el artista René Freire..

Imágenes en colectivo: Grupo Suma (1976-1983)

Imágenes en colectivo: Grupo Suma (1976-1983) Ana María Torres Arroyo (coord.) Edición: 1ª edición Páginas: 272 Formato: Papel ISBN: 978-607-417-728-2 Año: 2020 ASIN: B093BBPHN5 Año: 2021 Sobre el libro: ¿Qué importancia tuvieron las prácticas artísticas y políticas del Grupo Suma? ¿Desde dónde analizar las imágenes producidas por este colectivo? ¿Qué significados estéticos y culturales adquirió…

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Mesa 4 Reflexiones epistemológicas e historiográficas

Simposio  Límites y fronteras de los Estudios de Arte

Historia del arte y cultura visual, Estudios visuales, Reflexiones epistemológicas

8 de septiembre

Mesa 4 Reflexiones epistemológicas e historiográficas.

18:00 a 18:20 h Tras las huellas urbanas: una alternativa metodológica para estudios de exilio.

Laura Karp Lugo, Université de Lorraine (Nancy); Ludwig-Maximilians-Universität

(Munich), Deutsches Forum für Kunstgeschichte (Paris)

18:25 a 18:45 h Cine y análisis cultural

Itala Schmelz, gestora independiente    

18:50 a 19:10 h Historia del arte. Reflexiones historiográficas sobre una disciplina actual.

Sara Gabriela Baz y Valeria Sánchez Michel      

19:10 a 19:30 h Diálogo   

Tras las huellas urbanas: una alternativa metodológica para estudios de exilio.

Laura Karp Lugo 

A través de casos de estudio centrados en Buenos Aires a mediados del siglo 20, esta presentación propone un enfoque metodológico para llenar los vacíos dejados por las fuentes incompletas o ausentes en el estudio de artistas exiliados. A partir de direcciones, mapas y lugares, es posible seguir el rastro de los artistas en el espacio urbano: los encuentros, los lugares que frecuentaban, los barrios que les eran familiares y que marcaron su vida cotidiana tanto como su producción. 

Cine y análisis cultural.

Itala Schmelz

En esta ocasión me interesa reflexionar en torno al abordaje del cine como medio de análisis cultural. Hablaré de mi libro: Codigofagia. Cine mexicano y ciencia ficción, y del marco teórico que generé para entender la particularidad de la producción de cine de este género en nuestro país. A partir de la teoría de Bolívar Echeverría sobre la modernidad latinoamericana como el caldo de cultivo de un ethos particular definido por el filósofo como ethos barroco, analizo el fenómeno que él denomina como codigofagia (mestizaje) en tanto proceso cultural de apropiación de los discursos dominantes para generar narrativas propias. Esto implica una forma de resistencia social, en tanto que a través de la inoculación de los imaginarios nacionales, particularmente los indigenistas, en las tramas que han hecho de la ciencia ficción la mitología de la sociedad moderna, es posible analizar nuestra particular relación con el progreso tecnológico y sobretodo, reclamar el derecho a imaginar un futuro que nos incluya. 

 

Mesa 3 Límites y fronteras de la disciplina. Más allá de lo tradicional.

Simposio  Límites y fronteras de los Estudios de Arte

Historia del arte y cultura visual, Estudios visuales, Reflexiones epistemológicas

8 de septiembre

Mesa 3 Límites y fronteras de la disciplina. Más allá de lo tradicional.

16:00 a 16:20 h Ante la ansiedad de globalidad, ¿cómo articular una historia del arte contemporáneo para Asia del Este?

Edisabel Marrero Tejeda   

16:25 a 16:45 h El arte contemporáneo africano: la construcción de una taxonomía occidental.

Militsa Soto Rastovic           

16:50 a 17:10 h  Historia(s) del arte como historias globales: rupturas y continuidades de la categoría “universal”.

José Alberto Moreno Chávez       

17:10 a 17:40 h Diálogo    


Ante la ansiedad globalizante, ¿cómo articular una historia del arte asiático contemporáneo?

Edisabel Marrero Tejeda   

Un nodo fundamental de discusión en la narración historiográfica del arte en Asia lo constituye el concepto mismo de (las) Asia/s como parte del constructo geopolítico de la matriz colonial y hegemónica occidental, que devino en una  conceptualización geoestética oprimida bajo la proposición académica del arte, su conceptualización disciplinar y sus métodos de interpretación histórica. La constante revisión y cuestionamiento de esta formación, sobre todo por aquellos teóricos y curadores regionales que apuestan por epistemologías alejadas de una  sensibilidad eurocentrada, denota una tensión entre los diferentes marcos expositivos e interpretativos que tienen lugar dentro y fuera del área geográfica. La presente ponencia tiene como fin abordar la condición de globalidad y su relación dialógica con conceptos como arte mundial, lo nacional o lo contemporáneo en Asia del Este, en contraposición con los estudios críticos del área. Esta proposición teórico-contextual tendrá como fin enmarcar los discursos sobre la historia del arte en la región, para entender así ciertos aspectos que informan el desarrollo del arte contemporáneo asiático. Para ello se recurrirá a discusiones fundamentales sobre la problemática de la noción de la Historia del Arte Global y sus implicaciones en aquellas zonas que se encuentran del otro lado de la “línea abismal” del canon artístico occidental.

Arte contemporáneo africano. Una taxonomía occidental.

Militsa Soto Rastovic           

¿Qué define al arte “africano”? ¿Qué lo hace “contemporáneo”? En esta ponencia se hará un esbozo introductorio de los límites y las tensiones de la historia del arte cuando se refiere a aproximaciones de la producción artística africana. Para ello se abordará el caso concreto del arte contemporáneo africano como una taxonomía planteada desde Occidente. Esto permitirá dar cuenta de las problemáticas que se enlistan a continuación: 1) la identificación de circuitos occidentales —entendidos como subastas de arte, crítica especializada, producción curatorial y academia— como espacios que dan continuidad a los mecanismos de otredad a los que están sujetos los artistas africanos, en conjunto con su diáspora; y 2) la definición de los límites de este campo de estudio, la historia del arte, en tanto que la imposición de lecturas e interpretaciones de obras de la región suele partir de una óptica centrada en la mímesis o la transculturación. El objetivo principal de este  ejercicio consiste en llevar a cabo una invitación a replantear la noción del arte occidental como universal y, por extensión, evidenciar las fronteras y límites, de manera más puntual, de las disciplinas que lo estudian. Adicionalmente, tal crítica expondrá la necesidad de impulsar ejercicios reflexivos que, al cuestionar la historia del arte —¿cuál y de quién?—, enfaticen la urgencia de llevar a cabo revisiones a este campo de estudio, así como a otros ámbitos centrados en la imagen, fuera de los marcos de referencia que no consideran las asimetrías de poder vigentes en sus fundamentos.

Historia(s) del arte como historias globales. Rupturas y continuidades de la categoría “universal”.

José Alberto Moreno Chávez       

La irrupción de la historia global como una categoría historiográfica desde finales del siglo xx se ha propuesto reconfigurar distintos tipos de historia desde el espacio de “lo global”, entendiéndolo como una categoría de la emergencia de varios fenómenos sociales y culturales a partir de su comparación entre distintos “centros” y elaborando una crítica a las historiografías nacionalistas y al universalismo eurocentrista. Así, la historia global busca reunir las propuestas de análisis poscoloniales y decoloniales para hacer una crítica de la modernidad como un fenómeno estrictamente europeo y plantearlo como una explosión meta-geográfica y compleja de emergencias y relaciones locales con vínculos interconectados en redes alrededor del globo. A partir de lo anterior, la ponencia presenta una crítica de las maneras en las que se ha representado la historia global desde las artes, formando una “nueva historia del arte global”, recreando un universalismo lejano al eurocentrismo. El problema se aborda a partir de un análisis de las exposiciones permanentes de tres museos: el Museo de Quai Branly (París), el Museo de las Civilizaciones Asiáticas (Singapur) y el Museo del Louvre (Abu Dhabi), buscando narrativas desde la historia global sobre los fenómenos artísticos y culturales y presentándolos en oposición al concepto “universal” que ha sido la constante en los museos del mundo occidental. 

Mesa 2 Historia del arte y los estudios visuales

Simposio  Límites y fronteras de los Estudios de Arte

Historia del arte y cultura visual, Estudios visuales, Reflexiones epistemológicas

8 de septiembre

Mesa 2 Historia del arte y los estudios visuales.

12:00 a 12:20 h       

El objeto como signo. Uso y aplicación de la materia común como elemento significativo en las artes visuales.

Víctor Manuel Jiménez Verduzco           

12:25 a12:45 h Polinización de los campos, la investigación-creación en el arte digital.

Ana Carolina Robles Salvador     

12:50 a 13:10 h Multidisciplina y comunidad: experiencias en la generación de conocimientos en el Museo Nacional de Arte.

Jimena Arellano Rivas        

13:15 a 13:35 h  Ready-Image: nuevas condiciones de la historia y la crítica del arte.

Daniel Montero Fayad       

13:35 a 14:00 h Diálogo    


El objeto como signo. Uso y aplicación de la materia común como elemento significativo en las artes visuales.

Víctor Manuel Jiménez Verduzco           

La fuerza simbólica que despliegan los objetos comunes en el arte se ha manifestado de diversas maneras a lo largo de la historia, a veces de forma soslayada, otras con mayor protagonismo. En este trabajo se intenta estudiar esta relación, la potencia de esta presencia y las figuras intelectivas que connota, a partir de algunos ejemplos artísticos significativos en diferentes momentos históricos y latitudes. 

La investigación-creación en la polinización del campo artístico digital.

Ana Carolina Robles Salvador     

Esta colaboración se propone reflexionar sobre los límites del arte, tanto en sus formas de producción como en su práctica interdisciplinaria que, en su devenir, difumina las fronteras disciplinares. Se parte de dos premisas: los límites de las disciplinas artísticas son poco transparentes, lo cual dificulta la visibilidad de sus aportes en la generación de conocimiento. La tesis que sostiene este trabajo es que la investigación-creación es una vía para visibilizar el carácter interdisciplinario de las artes y su aportación al conocimiento. Para propiciar el análisis se recurre a tres autores: Bourdieu, quien contribuye a repensar el campoartístico; Lotman, cuyo concepto de fronteraayuda a pensar los límites disciplinares; y Foucault, quien a partir del concepto de episteme da pie para pensar en los aportes de las artes en su dimensión de época. Desde este horizonte se revisan los posibles alcances de la investigación-creación del arte digital en la producción de conocimiento al abrigo de la universidad. 

Multidisciplina y comunidad. Experiencias en la generación de conocimientos en el Museo Nacional de Arte.

Jimena Arellano Rivas        

En función de las preguntas ¿cómo producimos y hemos producido conocimiento desde la historia del arte?, y ¿a qué contribuye nuestro quehacer? —como investigadores—, planteadas por el “Simposio Límites y fronteras de los Estudios del Arte”, esta intervención es resultado de las reflexiones generadas durante los conversatorios entre voluntarios del Departamento de Curaduría del Museo Nacional de Arte (munal) transmitidos a lo largo del mes de junio de 2021. Se plantea la pregunta ¿cómo investigamos cada uno de nosotros desde nuestros enfoques profesionales?, para comprender la importancia de la multidisciplina en la interpretación de colecciones y la generación de conocimientos en torno al museo, en tanto que éste se convierte en un espacio de convergencia de saberes y generación de comunidades creativas que permite evidenciar otras formas de mirar, trabajar e investigar desde un enfoque colaborativo y horizontal que puede nutrir a los procesos de la historiografía del arte desde otros campos disciplinares, aunando a las relaciones profesionales e interpersonales en el ámbito museístico.  

Ready-Image. Nuevas condiciones de la historia y la crítica del arte.

Daniel Montero Fayad       

Hay en la actualidad tres fenómenos que condicionan tanto la ontología como la percepción del arte: los dispositivos tecnológicos móviles que han hecho posible la captura, edición y consumo de imágenes en un brevísimo lapso; la circulación global de esas imágenes —muchas veces en tiempo real—, algo que se exacerbó en la pandemia que inició en 2019; y la cada vez más indispensable imagen —casi siempre— fotográfica para producir arte, algo que podríamos considerar como una suerte de “nueva naturaleza” y que funciona como un referente —que muchas veces parte del archivo indeterminado de las imágenes en la red— ineludible para una gran cantidad de artistas contemporáneos. 

Si bien cada una de estas variables tienen sus propias condiciones históricas y sus genealogías, tanto las imágenes como los dispositivos contemporáneos no sólo han replanteado la ontología y las epistemologías del arte, sino que más bien producen una nueva sensibilidad. Nuestra propia ontología no es comprensible sin considerar la relación entre la condición contemporánea de las imágenes y de los dispositivos, que llevan necesariamente a estudiar una nueva sensibilidad difícil de describir por su actualidad. Todo ello lleva a repensar los relatos del arte, tanto los críticos como los históricos, porque las formas del lenguaje también se ven alteradas. En esta ponencia se señalan algunas de las condiciones contemporáneas de esa nueva sensibilidad en función de las condiciones actuales de la imagen y de los dispositivos, para pensar en nuevos relatos del arte en el presente. 

Mesa 1 Historia del arte y cultura visual

Simposio  Límites y fronteras de los Estudios de Arte

Historia del arte y cultura visual, Estudios visuales, Reflexiones epistemológicas

8 de septiembre

Mesa 1 Historia del arte y cultura visual.

10:00 a 10:15 h Inauguración. Dra. Sara Baz Sánchez, Dra. Valeria Sánchez Michel, Coordinadoras del Simposio, Dr. Alberto Soto Cortés, Director del Departamento de Arte de la Universidad Iberoamericana Ciudad de México.

10:15 a 10:35 Historias del arte hoy desde México: la disciplina desde las pluralidades.

Deborah Dorotinsky Alperstein, Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM

10:40 a 11:00 h Historiando arte/factos: Reflexiones sobre el arte mexicano como objeto e historia.

John Lear, University of Puget Sound

11:00 a 11:30 h Diálogo

Historias del arte hoy desde México: la disciplina desde las pluralidades.

Deborah Dorotinsky Alperstein

En 2014 el Art Bulletin en su número 14 con el poético título “Whither Art History?” (¿A dónde va la historia del arte?) publicó las reflexiones de varios historiadores del arte sobre los cambios, las nuevas crisis y los retos que la disciplina Historia-del-Arte enfrentaba. Griselda Pollock y Claudia Mattos proporcionaron dos reflexiones que vale la pena retomar hoy para señalar las diferencias imperantes en las condiciones de posibilidad de nuestra disciplina, en nuestra muy peculiar circunstancia socio-geo-política y la de nuestro vecino del norte. La historia del arte en México se abre en un abanico de temas y problemas poco pensables para ella en Europa y los Estados Unidos, y representa, como las historias del arte de otros países — Argentina, Perú y Brasil — un ejemplo de un campo expansivo. A falta de presupuestos, no hemos carecido de ingenio. Nuestras licenciaturas y posgrados se amplían hacia los estudios de técnicas y materiales en las artes, los estudios intermediales en los cruces entre artes escénicas, arquitectura, música, literatura y artes plásticas, el video y el cine, las culturas visuales, los archivos y las imágenes documentales, las intervenciones feministas en las historias del arte y las disidencias sexuales y un conjunto de temáticas que si bien son relevantes al arte contemporáneo, como temáticas desde una postura decolonial, permiten pensar el pasado, el prehispánico, el colonial y el moderno, desde hoy. ¿En qué medida desde el sur, vemos pasar esas “crisis” y nuestra disciplina se amolda, se adapta, sobrevive y se transforma?

Historiando arte/factos: Reflexiones sobre el arte mexicano como objeto e historia.

John Lear

Presentaré unas reflexiones sobre las preguntas y métodos que me guían como historiador social y cultural al reflexionar sobre el arte, más precisamente, el hilo conductor será la pregunta de cómo trato de usar el arte para entender el pasado, como un “artefacto,” o sea como una puerta que nos da entrada a un momento específico en el pasado, y como una versión del pasado, que participa en debates historiográficos tanto en el momento de su producción como ahora. Reconociendo lo mucho que he aprendido de los historiadores de arte, daré algunos ejemplos tomados tanto de obras de historiadores que me han inspirado a pensar el arte desde la historia, como de mi libro reciente “Imaginar el Proletariado. Artistas y trabajadores en el México revolucionario, 1908-1940,” y de mi nuevo proyecto, una biografía política de Diego Rivera. 

Panel 3: Poéticas creativas de confinamiento

Simposio Archivo de voces: poéticas de confinamiento 

Cambio de paradigma temporal en torno a la producción, gestión y consumo del arte.

Pandemia y vehículos digitales.

7 de septiembre

16:45 a 17:45 h Panel 3: Poéticas creativas de confinamiento.

Moderadora: Dra. Minerva D. Anguiano González

Melodía imaginaria con anhelo de encuentro

Mónica Ornelas

Micro-danzas: ecokinesis planetaria

Ángel F. Méndez Montoya 

La construcción escénico-digital en las obras “Otra Electra” de Edith Ibarra y “Las diosas subterráneas” de la compañía Organización Secreta Teatro.

Rocío Carrillo

16:45 a 17:00 h Preguntas y comentarios del público

17:45 a 18:00 h Actividad de clausura del simposio. A cargo de integrantes de la línea de investigación “Estética, cultura visual e imaginarios en América Latina y el Caribe”, de los programas de Maestría en Estudios de Arte y Doctorado en Historia y Teoría Crítica del Arte: Sindy Martínez Lemes, Joan Fellove Marín, Blanca Victoria López Rodríguez, Yalicel Gabeira Londres, Greyser Coto Sardina.


Melodía imaginaria con anhelo de encuentro

Mónica Ornelas

La presente propuesta radica en exponer la experiencia de creación del proyecto “Melodías  de onírico trayecto”, pieza colaborativa de arte sonoro realizada desde el espacio autogestivo de creación-investigación-pedagogía Laboratoria Performativa —originada y coordinada por la autora—, y particularmente del programa “Corazonar desde la incertidumbre”, cuya raíz fue la pandemia. Lanzado desde el anhelo de propiciar un encuentro afectivo para dar tratamiento-sublimación al miedo y a la incertidumbre que ha impuesto el virus SARS-CoV-2, este programa tiene una intención por demás sencilla: generar un punto de intercambio afectivo para promover la vitalidad y serenar emocionalmente el impacto del fenómeno pandémico, mediante la formulación de estrategias  estético-artísticas que, a través de actividades colectivas, propicien el sumarse a la solidaria vitalidad demandada por el tiempo actual. Irremediablemente replegadxs al ámbito doméstico dada la cancelación de “el afuera”, revisar “los adentros” irrumpió no sólo como una práctica obligada, sino como una bondad disponible. Para la elaboración de este acompañamiento y la configuración de la pieza se partió de los sonidos del entorno más inmediato: el corporal y el doméstico; cómo suena esa región que de tan ordinaria nos ha sido inadvertida; cómo sonamos a través de esta morada primordial que es nuestro cuerpo. Con la consigna de afinar la escucha para luego darle un tratamiento imaginario se sostuvieron reuniones semanales virtuales de julio-noviembre del 2020. La propuesta consiste en compartir algunos fragmentos sonoros logrados y ciertas reflexiones desprendidas de la experiencia, extender el contagio del efecto cálido vivido para contribuir al cuidado solidario.“Melodías de onírico trayecto” está disponible en SoundCloud: https://soundcloud.com/user-792804252/melodias-de-onirico-trayecto-arte-sonoro

Micro-danzas: ecokinesis planetaria 

Ángel F. Méndez Montoya 

En esta presentación comparto algunos resultados de un experimento corporal y cinestético creado en espacios naturales y en contacto con elementos de la Tierra, entretejiendo corporeidad, videodanza y teología filosófica. El experimento se realizó como parte de una investigación sabática que coincidió con el confinamiento social debido a la pandemia de la COVID-19 —desde principios del año 2020, hasta julio del 2021—. Frente al problema del contacto físico entre los cuerpos, en colaboración con el Dr. Pablo Martínez, encargado de la dirección de cámara y la edición audiovisual, nos dimos a la tarea de explorar impulsos corpóreos y dancísticos que pudieran suscitar diversas sensaciones, ideas, experiencias de relación somática y kinética con elementos naturales y en ambientes apartados de espacios de interacción social, con el fin de crear pequeños fragmentos fílmico-coreográficos o “micro-danzas”.

Con la filósofa, teóloga y coreógrafa Kimerer LaMothe, sugerimos la noción de “ecokinesis” para referirnos no sólo a un planeta que “danza” —en virtud de la continua kinesis planetaria— sino también para dejarnos mover y conmover por la vida planetaria que de múltiples maneras y resonancias “danza en” nosotros. El objetivo es sobreponer la dicotomía entre “cultura” y “naturaleza” que ha creado un distanciamiento con respecto a la vida planetaria, desembocando en la irreversible crisis ecológica que enfrentamos debido al dominio de paradigmas patriarcales, antropocéntricos y coloniales, y que siniestramente vuelven cotidiano el desgaste, la precarización y la contaminación a niveles locales y globales, humanos y ecológicos. La creatividad de la cámara de video y la edición audiovisual forman parte de una sensibilidad ecokinética que esta exploración propone lograr para permitir que ambientes, contextos, aspectos y elementos de la naturaleza cobren un protagonismo coreográfico. No sólo buscamos investigar sobre la danza y las corporeidades de la vida cotidiana, sino desde las (teo)poéticas de cuerpos y corporeidades planetarias.

La construcción escénico-digital en las obras Otra Electra de Edith Ibarra y Las diosas subterráneas de la compañía Organización Secreta Teatro 

Rocío Carrillo

La ponencia abordará, en primer lugar, el proceso de trasladar al medio digital dos proyectos concebidos originalmente para la escena, así como la trascendencia de esto en el proceso creativo y en la poética de la compañía. En segundo lugar, desarrollará la resignificación de contenidos míticos en las dos obras y su vigencia en relación con la problemática actual de las mujeres en México. El propósito es deconstruir la creación del discurso escénico híbrido en las obras Otra Electra de la dramaturga Edith Ibarra, presentada durante 25 funciones en vivo a través de la plataforma Zoom de Teatro La Capilla y Las diosas subterráneas, versión digital transmitida por las plataformas de Teatro  unam en 2020 y 2021. Las diosas subterráneasaborda el tema de las mujeres desaparecidas por la trata de personas, a partir del mito de Deméter y el rapto de su hija Perséfone. Otra Electra hace una revisión simbólica del mito clásico de Electra, recontextualizándolo en la época actual. Los temas a desarrollar son: a) los pormenores de las soluciones asumidas desde la dirección; b) el enfrentamiento de los actores y las actrices al hecho de trasladar el discurso escénico a un medio de expresión digital; c) la colaboración interdisciplinaria con creadores de cine y de videoarte y su influencia en la hibridación del discurso; d) la recepción y el impacto en el público que presenció las obras; e) las repercusiones  artísticas y simbólicas que puedan desprenderse de dicha hibridación; y f) paralelismos del mito y la situación actual. Durante la exposición se transmitirán fragmentos de las dos obras.